Review ‘Wildwood’, de Travis Knight

Travis Knight lleva el ‘stop-motion’ a un nuevo nivel de madurez con una adaptación oscura y compleja. ‘Wildwood’ es una obra que desafía al público infantil y deslumbra con un trabajo artesanal titánico frente a la frialdad de la animación digitalizada.

Wildwood tiene algo diferente al cine de animación, sea stop-motion o no, que la diferencia de la casi totalidad del cine de género actual: su inconformismo. Aquí no hay medias tintas. La película empieza con un niño desnudo que se lanza al vacío desde el balcón de una torre. Antes ha derramado una lágrima de color negro, lo que hace pensar que no es humano. Su engranaje mecánico lo confirma después. Pero la imagen ya ha impactado al espectador, con su madre, rota de dolor, con el cuerpo inerte entre sus brazos bajo la lluvia. La valentía de esa decisión, el arrojo de abrir así una película que llegará a un público infantil, fija las reglas del juego antes de que el espectador se acomode en la butaca. La novela de Colin Meloy arrancaba con Prue y con el rapto de su hermano, y Travis Knight adelanta al prólogo un duelo para que cargue el espectador, durante buena parte del metraje, con una pena todavía sin dueño. Que sea la primera película de Laika con calificación PG-13 y el largometraje de stop-motion más largo jamás estrenado, con más de dos horas, tiene el arrojo de una libertad asumida a la hora de contarla.

Tras ese balcón gótico, nos trasladamos a Portland, una ciudad reconstruida en miniatura con sus lugares reales, del puente de St. Johns a la Pittock Mansion, del Wildwood Trail a las estanterías de la librería Powell’s. Allí vive Prue, en una casa donde la sobreprotección de los padres, un miedo difuso a lo exterior y ciertas alusiones a la magia han hecho de ella una niña descreída. Prue responde con rebeldía, con el desdén de quien empieza a sentir el hogar como una jaula pequeña. Los McKeel son artistas y artesanos de estilo bohemio New Age que se ganan la vida vendiendo sus propias obras y creaciones en un mercadillo local de artesanía. Dejan a Prue y a su hermano Mac en casa, con la promesa de que no saldrán de casa. Algo que Prue, obviamente, desobedece llevando a su hermano en un paseo en bici por la ciudad. Segundo impacto. Una bandada de cuervos rapta al pequeño en una secuencia que, como es normal, trae a la memoria Los pájaros de Hitchcock. La persecución la empuja hacia el Territorio Impenetrable (Impassable Wilderness), el bosque salvaje que linda con la ciudad. Ese bosque está basado directamente en el Forest Park real de Portland: Meloy y la ilustradora Carson Ellis vivían en una casa con un camino que subía al parque, y sobre un mapa de sus senderos imaginaron el territorio del libro, senderos que el equipo de Laika recorrió antes de levantar un solo decorado. En la aventura acaba metido también Curtis, un compañero de instituto que juega al rol, algo infantil, parlanchín y que se siente inadaptado.

La novela de Meloy y Ellis, publicada en 2011, comparte estirpe con Arthur Rackham y Pauline Baynes, dos de los ilustradores británicos más influyentes de la literatura fantástica e infantil de la historia. De sus más de quinientas páginas salió un guión de Chris Butler. Lo primero que tiene como fuerte la adaptación de Wildwood es que, en ningún momento, subestima a su público (infantil o adulto) y se atreve a teñir la fantasía de una madurez política y una oscuridad orgánica. Al despojar la historia del infantilismo edulcorado, algo tan recargado en el género, la trama gana la gravedad necesaria para que el peligro se sienta real en todo momento.

Donde se lleva el mayor elogio la película es en su manera de entrar en el mundo salvaje. Nada más cruzar la bruma, aparecen coyotes que hablan y van vestidos de soldados, con uniformes de húsar, como los de un ejército de otro siglo. Una vez dentro, la historia de búsqueda de Prue por su hermano abre las puertas a un mundo mágico donde la sociedad se rige por tratados diplomáticos, tensiones fronterizas y consejos de gobierno que recuerdan más a una intriga histórica que a un cuento de hadas. Prue no se enfrenta sólo a un peligro que nace de un trauma antiguo que ha afectado al mundo descubierto; se topa con el papeleo, leyes restrictivas y dinámicas de poder de las diferentes comunidades del bosque. Una burocracia que cualquier adulto reconoce y que ningún niño espera encontrar al otro lado del puente. Los coyotes soldados, que empiezan como reclamo cómico —el expulsado del grupo por orinar y lamerse sus partes como cualquier animal real—, son un ejército organizado, implacable y violento, como los orcos de Tolkien, como cualquier hueste dispuesta a luchar de forma cruenta en la guerra.

Naturaleza con memoria

El bosque, que a priori parece un refugio mágico y amable, es, en realidad, un lugar salvaje y peligroso donde el abandono y la muerte acechan detrás de cada árbol. La violencia queda más cerca de La princesa Mononoke que de cualquier fábula de animales parlantes. Y, en seguida, también vemos cuerpos amontonados sobre un campo y la crudeza con la que la antagonista se las gasta al otro lado de ese mundo. La frialdad con la que se aborda el rapto y el destino del bebé introduce una tensión psicológica bastante perturbadora para el estándar del cine de animación que adapta un libro middle-grade.

En ese sentido, Wildwood resulta sumamente atmosférica, aunque se apoye en lugares comunes que se reiteran en el cine de animación, como la división entre la pureza del bosque y la corrupción del mundo exterior, un hábitat que ve amenazada su paz desde sus entrañas telúricas y un mensaje ecologista. Vale, eso lo hemos visto casi de forma constante. Lo común queda en la superficie; lo que no lo es, es la manera de fabricarlo. Laika ha combinado la artesanía física fotograma a fotograma con ingeniería mecánica, impresión 3D hiperrealista y efectos visuales de vanguardia. Y hay que aplaudir su trabajo titánico. El equipo de prototipado rápido imprimió más de 142.000 caras individuales en 3D a todo color mediante el software Cuttlefish del Instituto Fraunhofer, preparando cada modelo sin repetir ninguna. Todas ellas emulan el subsurface scattering, la forma en que la luz atraviesa la piel humana real. El resultado es que cada rostro deja un poso de verdad que es casi inconcebible en una stop-motion. Un lujo técnico artesanal de enorme valía artística.

Puede parecer derivativo, pero el filme de Travis Knight sigue con determinación el guión de Chris Butler a la hora de abrazar los códigos de los cuentos de hadas clásicos para construir una atmósfera rica, nostálgica, donde el caldo de cultivo fabuloso sobre el folclore y la naturaleza es precisamente el que aporta el mayor atractivo en un mundo de stop-motion que se sobredimensiona con la recreación de esos espacios naturales. Hay una prosa ornamentada, un poco gótica, trágica y barroca, que combina la violencia histórica con una melancolía poética en la que resuenan melodías celtas, y que injerta el misticismo europeo en la frondosidad de los bosques de secuoyas, abetos y musgo americanos. Y que termina transformando ese arraigo a la tierra y la resistencia contra la industrialización en un motor narrativo muy americano, heredero directo de la literatura conservacionista y de un imaginario que roza lo hippie (como dice un par de veces la propia Prue, cansada de lo que ve en casa cada día).

Buena parte de esa espesura se la debemos a una leyenda del cine de acción real, Caleb Deschanel, fotógrafo de cintas como El corcel negro, Elegidos para la gloria, El mejor, Volando libre o La pasión de Cristo, seis veces candidato al Oscar y debutante en el stop-motion. Su contribución técnica y lumínica es detallista y confiere a su estética otro paso más en la animación frame a frame. Deschanel probó marionetas de otras películas en bosques reales, con sol y con niebla y empujó las luces lejos de la miniatura para que se comportasen como un éter real para cada situación. Frente al comienzo cálido de Portland, levanta la niebla en cuanto Prue cruza el puente, de modo que el umbral entre la casa sobreprotegida y lo salvaje queda trazado con luz.

En Wildwood, el pasado es una fuerza activa. La conexión con los ancestros introduce una dimensión de herencia, deuda y destino. Los protagonistas caminan sobre las huellas —y los errores— de quienes habitaron el territorio antes, y eso añade una carga de responsabilidad: la salvación del bosque depende de entender una historia que es primitiva, compleja y muchas veces trágica. La hiedra actúa casi como un sistema nervioso del bosque, una red que aprisiona, oculta o conecta. Y ese árbol místico, el más antiguo del bosque, eco directo de Yggdrasil o de los Ents de Tolkien, funciona como el oráculo definitivo. Exige sacrificios, pero no dentro de un entorno nigromántico, sino humano, de lucha para que el hábitat no se vea sometido a un cambio. La película habla de la actualidad. En una era de negacionismo climático y maltrato del planeta, aboga por la necesidad de salvaguardar el mundo en que vivimos, a través de una unión colectiva de humanos, animales y aves frente a una amenaza común. Dentro de sus valores discursivos están la diplomacia, el respeto a la tierra y el entendimiento mutuo entre especies. Frente al antropocentrismo tradicional, abraza una filosofía de interconexión y conservación en la que el bosque no es un recurso ni un escenario idílico; es un organismo vivo dotado de su propia dignidad.

Por supuesto, como en cualquier cuento de hechizos, la magia blanca y la negra son un tropo clásico. Dentro del Territorio Impenetrable lo nigromántico se siente como una fuerza de la naturaleza, amoral, peligrosa y difícil de domesticar. La oscura, la de Alexandra, está vinculada a la obsesión, al control artificial y al egoísmo; por otra parte, la mística del bosque es sutil y requiere otro tipo de sacrificios, como el respeto por el entorno y aceptación de sus leyes salvajes. En medio de las dos queda Prue, que representa el sustento de la familia y la empatía como centro centrípeto. Y en Wildwood esos lugares comunes pasan a integrarse en su atmósfera, y les da una dimensión completamente nueva gracias a las detalladas réplicas de las ilustraciones de Carson Ellis, que respiran con libertad en el bosque y la naturaleza. El arte eleva el texto y le aporta una textura gótica y orgánica única.

Alexandra, la Gobernadora Viuda, es el gran hallazgo moral del relato, porque su maldad se deconstruye a través de la perversión del amor materno y del duelo patológico. En su obsesión por recuperar a Alexei, su hijo muerto, es capaz de romper las leyes de la naturaleza y de la ética, como en un acto de malentendida justicia cósmica para enmendar su pérdida. Es una especie de Bruja Blanca de Narnia con pasado trágico. Su arma es un maquiavelismo emocional que corrompe la virtud más pura, como es el amor de una madre, desde la incapacidad de aceptar el sufrimiento y la pérdida. Y vuelve otra vez en la dualidad del amor, porque tanto Prue como Alexandra actúan movidas por el amor a un niño, un hermano y un hijo. La salvedad es que una busca salvar a su hermano pequeño y la otra imponer su voluntad para recuperar a su hijo muerto por medio de las artes oscuras.

El giro imprevisto llega a la vez que descubrimos la historia de la Gobernadora y su duelo, su descenso a la magia negra para dar vida a un clon mecánico de su hijo, que es lo que provoca el suicidio del niño no humano del prólogo. Algo que se rebela contra su creadora, víctima de su conciencia de falsa existencia. De ahí la advertencia filosófica de que la vida no puede ser forzada ni aprisionada en moldes artificiales, y en manos de Laika, un taller que vive de animar muñecos, esa advertencia se vuelve metanarrativa sobre el control y las marionetas mecánicas. La madre que fabrica un hijo de piezas es el reverso oscuro del animador que fabrica un personaje fotograma a fotograma.

La segunda parte del giro es más cruel. Los padres de Prue, desesperados por no poder concebir, hicieron en el pasado un pacto fáustico con Alexandra para entregarle a su segundo hijo. Ella, capaz de dar vidas en el mundo exterior para arrancarlas en el bosque salvaje, viene a cobrar su deuda. Mac no nació del amor, sino como una moneda de cambio existencial. Ese cruel trato familiar alude al determinismo moral y a la ley de la causalidad. Por eso, nada de lo que Prue sufre en el bosque empezó en el bosque. Cuando Alexandra intenta sacrificar a Mac para recuperar a Alexei, la hiedra despierta con la sangre de Prue y la mata. Y es la propia Prue quien la calma después. En el libro ese poder era de Brendan, Rey de los Bandidos. Aquí funciona aún mejor, ya que concentra la victoria en ella, en una sangre a la que el bosque obedece.

Por supuesto que hay objeciones en Wildwood, tal vez las que apuntan a la figura de la Gobernadora Viuda como arquetipo de la madre sobreprotectora que se corrompe, la madrastra fría de los cuentos de hadas, un molde tan transitado que ni la gravedad de su duelo consigue romperlo del todo. Y, sobre todo, desde un prisma personal, hay un par de pinceladas que rompen el worldbuilding y que derivan de lo woke, donde parejas del mismo sexo aparecen de la nada para reivindicar su condición, y lo hacen dos veces seguidas, sólo para poder colgar la etiqueta de la diversidad. Habrá quien lo vea como algo necesario, pero es contraproducente, porque reduce el tema a mera herramienta de propaganda o decorativa. A mí me resulta un guiño complaciente al mercado actual que da, a su vez, cierto anacronismo que no encaja bien en la historia; ese enfoque marcadamente moderno, de corrección política actual sin un porqué, saca al espectador del relato, y el espectador deja de ver el bosque de Wildwood para ver al autor del siglo XXI intentando cumplir con una lista de verificación social. Quedan también un exceso de mitología que, a ratos, pesa más que la aventura y unos padres apenas esbozados para la carga que acaban soportando.

Wildwood, no obstante, es una desgarradora película sobre el abandono de la infancia para dar el paso a una madurez terrible y trágica. Y su imagen más elocuente es el rostro ojeroso de Prue, que lo lleva de principio a fin. Al enfrentarse a la villana, Prue sabe que no es una victoria del odio, sino de la comprensión profunda y de la empatía hacia su trauma. No hay moraleja que valga, porque la niña, hecha adolescente de la forma más impía, entiende el dolor que deja la pérdida en el mundo real. Se queda con una cicatriz por la muerte de Alexandra, no como triunfo jubiloso, sino como trágico desenlace de una madre rota que nunca pudo sanar. Al descubrir el pacto casi maléfico de sus padres, comprende que la tragedia fue provocada por el egoísmo, el mismo que lleva a la Gobernadora Viuda a proponerlo. De ahí ese final desolador, fuera de los límites del happy end. Vale, sí, Prue ha salvado a Mac, pero la confianza ciega y la veneración infantil hacia sus padres han desaparecido. Ahora no son más que adultos, figuras rotas, imperfectas y cómplices de un daño atroz. Tal vez el gesto de la antagonista hacia su hijo tenga más valor que el de sus propios progenitores. Ya no es una niña corriente que pasea en bicicleta por Portland. Ahora es una chica con una aventura traumática a sus espaldas que obliga a cruzar el umbral hacia la adultez de golpe, cargando con el peso emocional de las consecuencias reales. Crecer, bajo la óptica del filme, consiste en aprender a habitar el mundo junto a la decepción, el miedo y la pérdida, pero sin renunciar a la esperanza.

Y el friki de Curtis… Gran personaje que pasa de ser un jugador de rol, niño al que hacen bullying, el raro, el hablador, «el pringado», como lo tenía en estima Prue, recorre el camino inverso al de la novela. Si en el libro Curtis se queda con los bandidos, aquí vuelve transformado, regresando a casa como alguien valioso que ha superado sus miedos: un héroe. Ese regreso junto a Prue y a Mac cierra la película sobre sí misma, sin gancho de secuela. Es, quizá, la decisión de adaptación más reveladora de Knight y Butler, porque donde el libro abría una saga con una huida, la película devuelve a los niños a una casa que ya no es la que dejaron.

Laika tardó más de quince años en moldear artesanalmente esta historia fotograma a fotograma. Desde que se hizo con los derechos en 2011 hasta el estreno de este 2026, con diez años de espera antes de rodar, a la espera de que el taller tuviera las herramientas que la película pedía. El arte deja huellas dactilares que aquí se notan en la pintura de cada cara, en cada movimiento a mano y en las velas diminutas que alumbran los decorados… Wildwood es, en realidad, una apología de la imperfección humana, del esfuerzo meticuloso y del valor intrínseco de la paciencia frente a la inmediatez industrial moderna. En un mundo en el que la IA se ha vuelto poco menos que una obsesión casi idiotizante, es de recibo alabar esta obra de orfebrería que avisa de que no todo está perdido, ni en el arte clásico ni en el cine. Por eso es tan importante su valor, y por eso el niño del prólogo, el que se lanzó al vacío porque sabía que era una imitación, encuentra su contrario en la película que lo contiene, una criatura hecha de piezas a la que unas manos pacientes han enseñado a parecer viva.